Este blog es un lugar para dar a conocer pequeños detalles de la Historia, englobando campos muy diversos, pero a la vez relacionados entre sí.Exponer de acuerdo con determinados principios y métodos, los acontecimientos y hechos que pertenecen al tiempo pasado.

viernes, 29 de enero de 2016

Definir el Arte: ¿Qué es, para qué sirve, qué se entiende cómo tal?

El Arte tiene como componente más importante la irracionalidad, lo incomprensible, aquello que apela al sentimiento, al estado de ánimo, al sujeto sensible.  Este hecho plantea muchas posibilidades para ser comprendido y estudiado pero también diversidad de inconvenientes.



Definir el Arte resulta casi imposible, como comenta J. Calvo Serraller, dado que cada definición solo es válida para un momento histórico, es decir, siempre hay que tener presente el contexto en que es creada la obra de arte. La definición clásica dice que el arte es atemporal y normativo, por lo tanto tiene un ideal de belleza que debe alcanzarse.  Otras definiciones como la de Dino di Formaggio dicen: “arte es todo lo que el hombre llame arte”; otra denominación más es que la obra de arte es una manifestación del espíritu hecha por el hombre que adquiere forma sensible a través de una técnica. Podríamos dar muchas más definiciones, aunque está claro que existe una división antagónica entre placer estético y hecho memorístico. Sí es evidente que hay una distinción entre:


1. Es Arte lo que la ortodoxia afirma que lo es. Según este razonamiento no se podría desarrollar la sensibilidad artística en el público general. Es algo tan concreto que dejaría fuera la cuestión de lo artístico.

2. Es Arte lo que cada sujeto afirma que lo es. Esta cuestión es todo lo contrario a la anterior, se generalizó en determinadas vanguardias radicales a principios del siglo XX, como el dadaísmo o la abstracción. Se corre el peligro de convertir el fenómeno artístico en una expresión exclusivista, desvirtuando las características del Arte, como forma de comunicación y expresión. Gombrich señala, la idea de que los artistas representan la vanguardia y el futuro y que el público y la crítica harán el ridículo, cayendo en un integrismo vanguardista, el de la tradición de lo nuevo. Otra tesis es la de Arthur C. Danto de que el arte y la estética son dos reinos separados, según la cual, una cosa es afirmar que el criterio estético no es válido para discriminar entre el arte y el no-arte y otra muy distinta que en la valoración artística de un objeto la dimensión estética del mismo no juega ningún papel relevante. Hay que tener presente que un artista puede ser extraordinario sin ser innovador, pues la grandeza del Arte no se basa en nuevos descubrimientos de técnicas o formas.

3.  Es Arte lo que reclama al subconsciente del individuo. Se trata de aprovechar una serie de conocimientos teóricos, para aplicarlos cada vez que una obra conmueva o atraiga la  atención del espectador de una forma irracional (cada vez que comunique algo, que transmita una emoción intensa). No se puede plantear un estudio serio del Arte a partir de impresiones emotivas.




El concepto de Arte, según los filólogos, es una palabra que deriva de la raíz griega y luego latina ARS, que hace referencia a una habilidad técnica a la adquisición de un determinado conocimiento, ya sea de índole plástica, científica, política, económica…etc. Mientras que los antropólogos, coinciden en que la mayoría de las sociedades carecen de palabra para designar lo que nosotros entendemos como Arte, quizás porque en muchas de ellas forma parte de la vida religiosa, social y política.

Desde un punto de vista histórico-cultural, a lo largo del tiempo la palabra arte se ha unido al concepto de belleza. En todas las épocas y culturas se ha tenido conciencia del valor de algunos objetos y actividades, por lo general vinculados al terreno de los subjetivo, mitológico y religioso, separada de un conocimiento funcional. Según E. Fischer, el Arte de las sociedades estratificadas es más recargado, pues la combinación de distintos elementos de diseño complejo refleja el alto grado de diferenciación social. Por lo contrario, la repetición de un elemento simple se encuentra en el Arte de las sociedades igualitarias.  De esta manera, la simetría y la falta de contornos indican similitud o igualdad; mientras la asimetría indica diferenciación.

En cuanto al enfoque filosófico-psicológico, tiene un sentido muy amplio. El Arte es aquella actividad humana que da forma material a lo concebido por el espíritu, de tal modo que el Arte sería un reflejo fiel de la personalidad y el entorno del autor (tema bastante controvertido). Para J. Lacan, el arte se encargaría de tratar lo real a través de lo simbólico como expresión de lo imaginario (un deseo interior).  Julia Kristeva afirma que el lenguaje artístico se diferencia del que no lo es en que, además de constar de un significante (materia) y un significado (mensaje), incluye un tercer elemento que apela al deseo íntimo (afecto).

Existen muchas más interpretaciones ligadas a un determinado área de conocimiento o corriente filosófica o crítica, por lo que se hace mucho más complejo, aun así podríamos decir que el fenómeno artístico es atemporal, artificial, subjetivo y emotivo. EL ARTE ES UNA FORMA DE COMUNICACIÓN.



El arte no tendría sentido si no produjera algo, la obra de arte, que se compone de dos elementos esenciales, la materia y la forma.

La materia es aquella existencia física sobre la que se trabaja. Su elección no es arbitraria, la elección de un determinado material es debida a su potencial o posibilidades plásticas o expresivas, mostrando ya una intención clara.
La forma, resultado de la aplicación de una técnica, pone de manifiesto otra de las características del arte, su artificialidad; como producto de la manipulación humana. Según los seguidores de la Gestalt (la palabra "gestalt", nombre común que en alemán significa configuración  o estructura, se aplica desde comienzos del siglo a un cuerpo de principios surgidos a partir de las investigaciones de la psicología experimental sobre la percepción sensorial. Sus iniciadores, a fines del siglo XIX, fueron Max Wrtheimer, Wolfgang Kohler, Kurt Koffka, Chistian von Ehrenfelds y Wilhelm Wundt), estableció que la responsabilidad de la precepción reside en las cualidades intrínsecas de las formas y en la supesta universalidad del mecanismo perceptivo. Hoy se reconoce la influencia que pueden ejercer factores como la experiencia, el aprendizaje o la cultura  de una persona a la hora de percibir la obra de arte. La percepción está condicionada por muchos factores y toda obra de arte es muy compleja.

También deberíamos hablar como tercer condicionante de la obra de arte al contexto histórico. La creación artística nunca es del todo libre, pues está sometida a factores personales y culturales que rodean al artista, por las corrientes de pensamiento imperantes, las circunstancias económicas(mecenazgo,propaganda, protesta…). La calidad artística no es un valor intrínseco de la obra; las creaciones traslucen muchos aspectos de una sociedad (estudios de K. Jaspers-Genio y locura-).

materia o materiales

forma

contexto social del artista


La otra parte esencial en la obra de arte es su creador, el “artista”. La obra de arte es producto de la elaboración del hombre, hay que considerar entonces los condicionantes que tiene el artista a la hora de producir obras: el modo de ser del artista, la naturaleza, la circunstancia histórica en la que vive...etc. Los estudios de R. Wittokower se centran en la personalidad de los artistas, que en muchos casos se puede llegar a conocer a través de las obras que realizan, como hemos comentado anteriormente.  La destreza técnica sería otro condicionante, alterado por los avances del momento que pueden variar notablemente la forma de transmitir el mensaje artístico. Otros aspectos que nos aportaría serían la experiencia y el conocimiento que ha tenido a lo largo de su vida, los encargos que la clientela le realiza, imponiendo gustos. En algunas ocasiones, el artista se libera de su papel de creador de formas para asumir el de promotor de nuevas soluciones, convirtiendo la obra de arte en una protesta o crítica social. Importante es la limitación social para el artista, según E. Fisher, el arte otorga expresión simbólica a los pensamientos y deseos de una sociedad, y para A. Hauser, la obra artística es una expresión colectiva.


 A todo ello debemos añadir la figura del espectador, es decir, para que un “observador” aprecie una obra de arte en todo su valor, necesita conocer el lenguaje utilizado por el artista. El acercamiento del público a la obra es por medio del conocimiento de los símbolos, que pueden reflejar los valores, necesidades, tradiciones, etc., de la sociedad, además de las propias motivaciones del artista. Teniendo en cuenta esto, una obra de arte puede servir para conocer a una sociedad, un artista o para conocer al ser humano. El espectador se puede acercar a una obra en varios niveles diferentes; por medio del estudio de sus características y de las del contexto histórico en la que fue creada, o se puede identificar con ella por las emociones que le provoca. Esta última forma de apreciar el arte no se logra siempre por parte de los espectadores, que requiere una sensibilidad  y subjetividad que varía de persona a persona.

Conocer y apreciar la obra de arte es una manera de participar en ella. Esta cuestión en algunas corrientes artísticas es esencial o más activa, la participación del espectador. En estos casos, es sólo con la participación de los espectadores como la obra de arte puede llevarse a cabo, por ejemplo, el Arte Cinético, en donde el espectador tiene que desplazarse en torno a la obra o bien accionar algunos mecanismos que producen el movimiento de la obra.

imagen del blog tom-historiadelarte


Por último, ¿qué función tiene el Arte o la Obra de Arte creada por el hombre y supeditada a tantos condicionantes?

A lo largo de la Historia, el arte ha cumplido diversas funciones, quizá la más antigua, en época prehistórica, sea la de propiciatoria. Según las teorías del abate Breuil, el hombre  del Paleolítico Superior pintó en el fondo de las cuevas los animales que deseaba cazar. De esta forma al representar hembras preñadas, las danzas fálicas del arte levantino o la zona franco-cantábrica de este periodo, o las venus esteatopigias (glúteos grandes asociados a la fertilidad) serían con intención de fomentar la perduración de las especies.

En la Antigüedad, las expresiones del arte egipcio como forma de alcanzar la vida eterna (religiosa). Todos los estratos de la sociedad egipcia, mandaban realizar estatuas y figuras que representante a la persona fallecida, con la finalidad de que el ka o alma pudiera descansar sobre dicha representación, si la momia era destruida. En el mundo cristiano es clara esa función del arte también, donde muchas obras son donaciones para alcanzar una gracia o se realizaban para la devoción pública.

Venus de Willendorf

Pintura Tumba egipcia



En este momento también encontramos el arte propaganda, pretendiendo destacar el aspecto del propietario o del gobernante. Los persas representan en las escaleras de la Apadana de Persepolis una procesión de arqueros queriendo transmitir  el poder militar de sus reyes. En Roma tienen esta función los arcos de triunfo, columnas conmemorativas y hasta el Ara Pacis de Augusto. Ya en el siglo XVIII, por ejemplo Luis XIV, empleaba las obras de arte para aumentar el sentido de majestad del rey. El siglo XX ha sido protagonista del uso del arte como medio de propaganda, más acentuado aún con la aparición del cine.

Durante la Edad Media, sobre todo en el estilo Románico, se da el arte con función pedagógica. La escultura que cubre las iglesias románicas es llamada la “biblia en piedra”, servía para transmitir a una congregación analfabeta en su mayoría, los principios de la doctrina cristiana.

Columna Trajana, Roma



Panteón de San Isidoro, León



Una de las funciones que muestra el espíritu humano en el arte, es como expresión del amor. Hay muchos ejemplos, uno de los más conocidos es el Taj Mahal, dedicado a una esposa fallecida. En este caso es la materialización del amor del cliente mostrada en la obra creada por el artista. Unida a esta función podríamos hablar del arte como expresión del prestigio social. Muestra de ello, serían en el Renacimiento italiano, los príncipes se disputaban a los mejores artistas para decorar sus palacios o ser sus mecenas. Las cofradías profesionales holandesas en el siglo XVII que se retrataban pro los maestros del momento, incluso hacen donación de algún cuadro religioso para destacar su importancia social y económica. En las catedrales góticas, las familias nobles pretendían tener una capilla funeraria para destacar su posición.

La función que ha desempeñado siempre el arte, pero destaca sobre todo en el siglo XIX, es la decorativa. Muchas obras son adquiridas por el cliente porque cumplen la función de decorar las estancias de su casa.

El arte como valor económico, siempre ha existido pero hoy es más evidente. En tiempos de Roma, las obras de arte se convierten en objeto de mercado, con casos como Cayo Verres (siglo I a.C.), que adquiere esculturas griegas de los siglos V y IV a.C., a veces mediante el robo, para enriquecerse con su comercio. En la actualidad muchos artistas, como Botero con la Galería  Marlborough, firman contratos para realizar un determinado número de obras de arte al año y así mantenerlas en precios altos. Incluso algunos acuerdan no realizar más obras para revalorizar las que están ya en el mercado, como hizo los últimos años de su vida Dalí.  Los precios que han adquirido cuadros como los de Van Gogh, se deben a una actividad especulativa de compañías de seguros japonesas y otras sociedades financieras, que pretende revalorizar sus activos manteniendo unos precios exagerados .

Jugadores de Cartas de Botero

Merda d´artista de Piero Manzoni


 El arte desempeña diversas funciones al ser una forma de expresión de los individuos y la sociedad. Según las épocas una misma obra  puede tener varias cometidos.  De todo ello tenemos constancia en la visión del arte por medio de los estudiosos, que también ha ido variando. Aunque el concepto de “Historia del Arte” y su estudio por las distintas corrientes (Historiografía), además de su institucionalización, definición, incluso como disciplina autónoma es mucho más reciente, lo veremos en otro momento.



Bibliografía:

Gombrich, E.H.: “La historia del Arte”, 1998

Pacht, O.: “Historia del Arte y su metodología”, 1986.

Hauser, A.: “Introducción a la Historia del Arte”, 1973.

Panofsky, E.: “Estudios de iconología” ,1972.

Borrás, G.: “Teoría del Arte I”, 1996.
Marías, F. : “Teroía del Arte II”, 1996.

Wölfflin, H.: “Conceptos fundamentales de la Historia del Arte”, 1924.

Artículos al respecto de interés:

 http://artdesigncommunication-rosana.blogspot.com.es/2013/01/la-teoria-de-la-gestalt.html

http://www.zonamoebius.com/Iepoca_2003-2007/2003/001/vacio.htm

http://elpais.com/elpais/2014/07/06/opinion/1404664147_362740.html






2 comentarios:

  1. Muy interesante el artículo, y muy bien realizado y documentado. Enhorabuena a su autora, Mariola Fernández.

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